El 1 de diciembre de 1826 Beethoven y Karl volvieron a Viena. La premura de la decisión determinó que carecieran de un transporte adecuado y solamente pudieron conseguir un viejo carromato descubierto. El viaje resulta catastrófico para una persona en el estado en que se encontraba: Beethoven llevaba ropa de verano y se vio obligado a pasar la noche en una taberna de la aldea donde la habitación no tenía calefacción ni persianas que lo protegieran del frío. Hacia la medianoche sufre un escalofrío febril y comienza una tos seca acompañada de sed intensa y fuertes dolores en los costados. Estando así, el maestro bebe grandes cantidades de agua helada que sólo agravan su condición. Sin embargo, logra recuperarse de su crisis gracias a la atención del doctor Wawruch y consiguió llegar a la capital. El 20 de diciembre se le extrajeron fluidos abdominales. Karl permaneció durante todo el mes a su lado hasta su incorporación, en enero, a su regimiento. El joven se había reconciliado totalmente con su tío tras el lamentable episodio del suicidio: «Mi querido padre: vivo satisfecho y sólo me pesa verme separado de ti»
miércoles, 29 de diciembre de 2010
La salud del maestro decayó
La salud del maestro decayó inexorablemente durante su estancia en la casa de su hermano en Gneixendorf, a pesar de los cuidados de su familia. Su hermano Nikolaus Johann recordaba: «Al almuerzo comía únicamente huevos pasados por agua, pero después bebía más vino, y así a menudo padecía diarrea, de modo que se le agrandó cada vez más el vientre, y durante mucho tiempo lo llevó vendado». Tenía edemas en los pies y se quejaba continuamente de sed, dolores de vientre y pérdida de apetito. En esa época comenzó la composición de la Décima Sinfonía
Aislado por la sordera
Beethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, relacionándose solamente con algunos de sus amigos a través de los «cuadernos de conversación», que le sirvieron como medio de comunicación. Su último gran éxito fue la Novena Sinfonía, terminada en 1823. En los tres años finales se dedicó a componer cuartetos de cuerda y la Missa Solemnis. El 13 de abril de ese año conoció a Franz Liszt, que entonces tenía 11 años, durante un concierto del compositor húngaro y lo felicitó por su interpretación. Años más tarde, Liszt transcribió todas las sinfonías de Beethoven para piano y fue un destacado intérprete de su obra. El estreno de la Novena Sinfonía tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 y fue un rotundo éxito a pesar de las dificultades técnicas que la sinfonía entrañaba. Este éxito no se tradujo en una ganancia financiera y los problemas económicos continuaron acuciando al compositor, que aunque tenía el dinero que estaba ahorrando, no lo podía utilizar ya que estaba destinado como herencia para su sobrino
martes, 14 de diciembre de 2010
Viva Elvis
'Viva Elvis', el espectáculo que se ha presentado durante este año en el Aria Resort & Casino de Las Vegas es un homenaje a la vida y a la música de Elvis en el que se fusionan el baile, la música y la acrobacia. El show incluye éxitos que van desde los años 50 hasta su reaparición en televisión a finales de los sesenta y sus espectáculos en Las Vegas. el tiempo
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El disco incluye canciones como 'Burning Love
Según Adam Block, vicepresidente y manager general de Legacy Recordings, 'Viva Elvis' "es un álbum tan creativo y contemporáneo que sitúa a Elvis en un contexto de enorme atractivo para público todas las edades y gustos musicales. Hay una frescura nueva en estas canciones que hace que Elvis sea hoy tan actual como siempre".
El disco incluye canciones como 'Burning Love', 'Blue Suede Shoes', It's Now or Never y 'Suspicious Minds', cuyo video puedes ver en vive.in. el tiempo
l aniversario 75 del nacimiento de Elvis Presley
Este disco que celebra el aniversario 75 del nacimiento de Elvis Presley es su primer álbum en 33 años. 'Viva Elvis' reinterpreta la música del rey, abarcando los distintos géneros por los que pasó durante su carrera musical como el blues, el soul y el folk, que a su vez se mezclan con sonidos más actuales como el punk y el hip hop, entre otros ritmos. el tiempo
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lunes, 6 de diciembre de 2010
En el teatro Colón
En 1935 De Caro formó una orquesta de cuarenta profesores para los bailes de Carnaval que organizó la Municipalidad de Buenos Aires en el Teatro Colón alternando el escenario con la jazz de Eduardo Armani. En esa oportunidad se estrenó el tango Coquito del maestro Carlos López Buchardo
Con la Orquesta Sinfónica de Radio El Mundo se presentó, en 1936, en el teatro Ópera, con "La evolución del tango" con obras de 1870 a 1905, la segunda desde 1905 a 1935 y la tercera, y última, con temas de 1935 en adelante. Una tarde, a la salida de uno de esos conciertos matinales estaban sus padres y se produjo el reencuentro y reconciliación. Su padre fallecería en 1950 y su madre once años despuéscursos de guitarra bogota
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Nueva orquesta
Después de los Carnavales y por desacuerdos económicos la totalidad de los integrantes de la orquesta, salvo su hermano Francisco, se desvinculó de ella y formaron otra encabezada por Pedro Laurenz. Julio organizó entonces una nueva formación con Luis Gutiérrez del Barrio, Mauricio Salovich y el mismo Julio en violín, Francisco De Caro en piano, Carlos Marcucci, Romualdo Marcucci, Gabriel Clausi y Félix Lipesker en bandoneón y Francisco De Lorenzo en contrabajo.
Campeonato de tangos
A iniciativa del Malevo Muñoz el diario Crítica de Buenos Aires organizó el Primer Campeonato Nacional de Tangos a llevarse a cargo en el estadio del Luna Park en el que compitieron las más prestigiosas orquestas de la época, salvo las que no fueron autorizadas por sus sellos grabadores. La votación, realizada por el público con una boleta adjunta cada entrada dio como ganadora a la orquesta de Julio De Caro. En los lugares siguientes se ubicaron las orquestas de Edgardo Donato, Juan Pedro Castillo, Pedro Maffia, Ponzio-Bazán y Anselmo Aieta. En un posterior concurso de composiciones Julio De Caro obtuvo el primer premio con su tango El mareo.
sábado, 18 de septiembre de 2010
caracteristicas de la jota
Su ritmo suele ser compaseado en 3/4, aunque algunos autores sostienen que el 6/8 se adapta mejor a la estructura del ciclo coreográfico y estrófico. Las armonizaciones populares más habituales se ciñen a acordes de primera, cuarta y quinta del modo mayor con séptima dominante. Para su interpretación se utilizan guitarras, bandurrias, laúdes, dulzaina y tambores en la castellana, y en el caso de la cántabra, asturiana y gallega por gaitas, pitu montañés, panderetas, tambores y bombo. Las versiones de exhibición se cantan y bailan con trajes regionales y castañuelas, lo que no es tan habitual cuando es practicada como diversión o baile social. El contenido de las canciones es muy diverso, desde el patriotismo, hasta la religión o las picardías sexuales. Prevalecen aquellas que tienen utilidad como generadoras de cohesión en el pueblo que las baila.
Los pasos que ejecutan los danzantes se parecen a los del vals, aunque en el caso de la jota hay mucha más variación. La letra, en cuanto a la forma, suele escribirse en cuartetos octosílabos, siendo asonantes el primer y el tercer versos.
Etimologia de la jota
Su nombre proviene del antiguo xota, este del mozárabe *šáwta, salto, y este deriva del latín saltāre, bailar. Algunas teorías dicen que este baile nació en Valencia, proveniente de la palabra en valenciano antiguo xotar (botar o saltar), que pasó al castellano como «jota».
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Jota (música)
Varía según las regiones, aunque la jota de Aragón, la de Castilla , la de la Comunidad Valenciana, la de Navarra y La Rioja, la «montañesa» de Cantabria, la de Asturias, la de Galicia, la de Extremadura, la de la Alta Andalucía y la de Murcia son quizás las más conocidas y populares. Entendida como representación escénica, la jota se canta y se baila acompañándose de castañuelas y los intérpretes suelen ir vestidos con trajes regionales. En Valencia, antiguamente, se bailaba la jota en la ceremonia de los entierros, así como en Cataluña, y especialmente en zonas próximas al Ebro (Amposta, Tortosa). También en Canarias las jotas y rondallas con carecterísticas peculiares eran la parte del folclore más destacada, hoy día un tanto desplazadas por la protección hacia otros estilos más autóctonos. No obstante, en las islas existe la isa, una pieza musical que deriva de la jota. En Filipinas, los religiosos españoles trasmitieron la jota a los tagalos, que la interpretan en rondallas y acompañada de instrumentos nativos.
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Jabera
Al igual que la malagueña y la rondeña, la jabera desciende en línea directa del fandango, y surge en la misma época de aquellas, teniendo un desarrollo propio y claro. Fue un cante bastante extendido en el cambio entre los siglos XIX y XX, siendo El Mimi uno de sus primeros grandes intérpretes, aunque quizás el más famoso de ellos fuese el Chato de Jerez, quien la introdujo en Madrid y en sus cafés cantantes.
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Jabegote
El Jabegote procede del fandango, como todos los cantes flamencos de Málaga, y más concretamente de las Bandolás o Verdiales aflamencados. Su origen está en las canciones de los pescadores o marengos, cantos de trabajo relacionados con las faenas en tierra firme: repaso de redes, embadurnado de pez, etc.[1] Su característica esencial, que lo diferencia del resto de los fandangos malagueños, es que su tercer verso, llamado verso valiente, se canta en notas agudas muy altas.
Los principales intérpretes de este tipo antiguo de cantes abandolados fueron Juan Breva y el Niño de las Moras, antiguo jabegote en El Palo.academias de musica bogota
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sábado, 28 de agosto de 2010
El vals mexicano
Cuenta con dos grandes compositores del periodo del porfirismo en México:
- Juventino Rosas: Sobre las olas (Over the waves; Uber den Wellen)
- Enrique Mora: Vals Alejandra
- Ricardo Castro: Capricho
- Felipe Villanueva: Olimpica
- Macedonio Alcalá: Dios nunca muere wikipedia
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el vals peruano Internacional
- Chile: El vals peruano forma parte de la cultura musical de Iquique que hasta 1884 fue una provincia peruana.[1] Existen en Chile numerosos cantantes populares que interpretan valses peruanos. Un buen ejemplo es Palmenia Pizarro que fue la primera artista que interpretó "Cariño Malo" de Augusto Polo Campos. Otros cantantes han sido Lucho Gatica, Antonio Prieto, Douglas, etc.
- México: Varios autores mexicanos han compuesto valses, que forman hoy parte del repertorio nacional peruano. José Angel Espinoza compuso "El Tiempo que te quede libre" y Modesto López compuso "Propiedad privada". wikipedia
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Intérpretes del vals
En la historia de la canción criolla peruana, tienen importancia fundamental los intérpretes, cantantes y guitarristas, cuyo trabajo permitió la difusión y la fama de muchas piezas que son parte del patrimonio cultural del Perú.
Entre los solistas cantantes más importantes del siglo XX, se encuentran (Los Cholos)Eloísa Angulo, Delia Vallejos, Jesús Vásquez, Teresa Velásquez, Esther Granados, Eva Ayllón,-Alicia Maguiña- Cecilia Barraza, Lucha Reyes, Chabuca Granda , Lucía de la Cruz, Arturo "Zambo" Cavero , Luis Abanto Morales, Cecilia Bracamonte, Edith Barr,Rafael Matallana, Pepe Vásquez. Así como también conjuntos: La Limeñita y Ascoy, Las Criollitas, Las Limeñitas, Los Chamas, Los Chalanes, Los Romanceros Criollos, Los Embajadores Criollos, Los Morochucos, Los Troveros Criollos, Los Trovadores del Perú, Fiesta Criolla, Los Kipus entre otros.
El éxito de estos conjuntos radica en la calidad musical, que fue perfeccionando estilos, la técnica guitarrística y arreglos especiales para cada tema que se grababa. El origen de los embajadores criollos data de mediados del siglo XX.-Es un origen anecdotico como se inician, como se conocen.- Se debe tener en cuenta su estilo en la interpretacion es identica al trio "Los Cholos".Este trio puede caer en el olvido solamente de escucharlos, sabremos su valia.
También, la famosa cantante francesa Edith Piaf interpretó un vals peruano conocido como La Foule, cuyo nombre original en español es "Que nadie sepa mi sufrir" y que habia sido compuesto por el compositor argentino Angel Cabral con letra de Enrique Dizeo.
Entre los guitarristas peruanos más importantes del siglo XX se encuentran: Vicente Vásquez, Rafael Amaranto, Óscar Avilés, Carlos Hayre, Luis Garland, Máximo Dávila, Óscar Cavero, Félix Casaverde, Carlos Montañes, Álvaro Pérez, Pepe Torres, Javier Munayco, Julian Jimenez, Alejandro Rodríguez, Carlos Rebaza, Adolfo Zelada, Pepe Ladd, Fernando Loli.
Actualmente en el siglo XXI, el Vals Peruano es fusionado por varios músicos peruanos como Los Hijos del Sol-Eva Ayllon, García, Alex Acuña (jazz) y en la producción musical Cholo Soy- Jaime Cuadra (Chill out).
Entre sus exponentes destacados jóvenes se encuentran Fabiola de la Cuba, Maritza Pérez y Soledad Pastorutti, esta última cantante de música folclórica argentina que ha venido interpretando valses peruanos, en especial los de Chabuca Granda, desde hace varios años adaptándolos al gusto argentino. wikipedia
martes, 24 de agosto de 2010
En Antioquia
En Antioquia la trova es especialmente significativa como expresión cultural, dado el carácter fuerte y notorio del hombre paisa (este arte es esencialmente masculino). En la trova paisa, se cantan versos acompañados de cierto sentido jocoso, y totalmente competitivo. Los cantan dos personas generalmente, llamados "Trovadores", quienes deben enlazarse uno a otro en el tema al mismo tiempo que rimar. La trova paisa es muy popular, y llega hasta niveles muy competitivos, dado que el repentismo, más el humor, más la rima que la debe acompañar, la hacen bastante difícil.
Los pioneros de la trova antioqueña son Salvo Ruiz y Ñito Restrepo, del municipio de Concordia, en donde a Salvo Ruiz la municipalidad le tiene erigido un monumento. wikipedia
Por otro lado, se hicieron también esfuerzos personales pero con modelos más liberados del discurso político, como lo hecho por Chabuca Granda, cuya influencia sirvió para formar a los más identificables y renombrados cantautores peruanos hechos bajo dichos parámetros (que exigía el uso de ritmos propios del país): Andrés Soto, de la Colina y Daniel “Kiri” Escobar. Ambos trovadores tienen en común el empleo de ritmos peruanos para expresar, no solo sus sentimientos, sino también situaciones sociales agudas de su propia sociedad (la marginalidad, la pobreza, el racismo, la injusticia, etc.).
En el Perú la trova se inicia con Chabuca Granda y se caracteriza por melodías simples y hermosas letras.
Actualmente los trovadores más conocidos son Daniel F, Kiri Escobar, Andrés Soto, Javier Lazo, José Villalobos, Piero Montaldo, Enrique Mesías, Caroline Cruz, Omar Camino, Jorge Millones, Daniel Ochoa, Pedro Novoa, Laura Casquero, Gino Córdoba, Lalo Salazar y Carolina Viale; destacándose también, aunque solo como interprete, Miryam Quiñones, entre otros. También NoRecomendable (Edson lara), Socrates Arevalo, Manuel Sotelo, Luis Pereda, todos ellos miembros de Colectivo Urbano..
Además de los exponentes de la trova en el Perú que se señalan anteriormente y que se encuentran en la capital Lima, en la ciudad de Cusco existen varios artistas que cultivan esa corriente, tales como Yuri Boluarte y Camilo Félix como cantautores y Darwin Carpio como intérprete e instrumentista, también figura entre ellos Ricardo Castro y Franco Cáceres. Estos artistas se encuentran agrupados, generalmente, en un local cultural que se llama La Oveja Negra. Jorge Millones, desde que radica en la ciudad de Cusco, ha pasado a formar parte de ese grupo de exponentes de la trova en Cusco y Perú. wikipedia
La canción de autor, o trova, en el Perú
En el caso particular del Perú, es indudable que, al igual que en todas partes, ha tenido trovadores de toda clase según su devenir histórico. En la época prehispánica cuenta Garcilaso que, en el imperio incaico, esta función la ejercían ciertos poetas ambulantes denominados en quechua como "arawix". Es obvio que deben haber habido infinidad de formas y variantes de cantantes e intérpretes de la historia y acontecimientos andinos. Ya en la época hispánica surgen varios movimientos de expresión popular como el llamado Taki Onqoy; éste era una danza acompañada de letras de carácter reivindicativo y venía a ser subversiva para la colonia (puesto que quienes participaban en ella eran trovadores-bailarines que iban de pueblo en pueblo recordando lo grande que había sido el imperio incaico y de cómo tenía que hacerse para regresar a él, expulsando a los españoles; se trataba, entonces, de una “música protesta”, razón por lo cual fue combatida y suprimida). También existieron otros tipos de músicos trashumantes quienes, cargando sus arpas, violines, vihuelas y guitarras, compusieron una serie de melodías, historias y poemas que, hasta la fecha, se recuerdan sin que se sepa el nombre de sus autores. Hoy se puede ver a esos trovadores pero principalmente en las zonas más humildes y apartadas de las grandes urbes: en las caletas de pescadores, en los pueblitos del interior y en los villorrios. También es posible encontrarlos en alguna feria popular, en eventos familiares o en los bares y cantinas amenizando alguna reunión. Pero, como es de esperarse, sus apariencias no encajan con lo que industria de la música exige, motivo por el cual no se les reconoce oficialmente como “artistas” sino solo como “músicos populares”. Sin embargo, a pesar de ello, irónicamente sus creaciones constantemente están alimentando al "star system", el cual se encuentra conformado por los intérpretes que sí se incorporan a las estructuras reguladas del sistema. Por eso es que se dice que la verdadera inspiración siempre “viene del pueblo y va hacia él” (José Carlos Mariategui, politico peruano). Pero eso sí: la industria del disco no acepta canciones con letras comprometidas que tengan algún tinte político o reflexivo. Rara vez logra darse algo así y eso solo cuando un determinado fenómeno es ya imposible de ocultar (como el caso de la canción “Flor de retama” del trovador Ricardo Dolorier, que fue un popular huayno-himno en la época de la subversión del grupo maoísta Sendero Luminoso). Quiere decir que los trovadores-músicos-poetas del pueblo siempre existen, pero viviendo al margen de los medios de comunicación, transmitiendo sus mensajes para unos cuantos privilegiados que los saben valorar y escuchar. wikipedia
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sábado, 21 de agosto de 2010
Yo-pop
El Yo-pop es un género musical nigeriano popular. Dos de las estrellas más grandes de los años 80 fueron Según Adewale y Shina Peters, que comenzaron sus carreras a mediados de los años 70 con Prince Adekunle. Eventualmente dejaron a Adekunle y formaron una breve sociedad como Shina Adewale & the International Superstars antes de comenzar sus carreras como solistas.[1] Adewale fue la primera de las dos en obtener el éxito, cuando se hizo la músico más famoso de Yo-pop.[2]
El auge del Yo-pop no duró mucho tiempo, substituido por el estilo afro-juju de Shina Peters, que se hizo estilo independiente tras la publicación de Afro-Juju Series wikipediacursos de canto bogota
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Palm-wine
La música palm-wine (vino de palma) también conocida como maringa en Sierra Leona es un género musical de África Occidental. Se desarrolló entre los pueblos Kru de Sierra Leona y Liberia, usando guitarras portuguesas traídas por marineros, combinadas con músicas locales y con ritmos de calypso de Trinidad y Tobago. La música palm wine debe su nombre a una bebida, el vino de palma, hecha de la savia naturalmente fermentada, que se bebía comunmente en dichas zonas y al ser una música característicamente tocada en las tabernas se le adjudicó el apelativo.
Gran parte de su desarrollo sucede como parte de la música de Nigeria. El palm wine fue popularizado por Ebenezer Calendar & His Maringar Band, que grabó muchas canciones populares en los años 50 y principios de los 60. El palm-wine influyó sobre muchos estilos, sobre todo el soukous y el highlife. Aunque todavía se mantiene, el género no mantiene el renombre que obtuvo antaño. Otros músicos famosos de este estilo son S. E. Rogie, Daniel Amponsah, Abdul Tee-Jay y Super Combo. wikipedia
Hiplife
La música hip life es una fusión ghanesa del highlife y el hip hop. Este estilo es muy popular en Nigeria y Ghana, sobre todo en la capital, Accra, aunque ha alcanzado especial popularidad en toda África Occidental, Reino Unido, España, Estados Unidos, Holanda y Alemania. wikipedia
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Highlife
El highlife es un género musical que provino de Ghana, Sierra Leona y Nigeria en los años 20 y se extendió a otros países de África Occidental. El subgénero más famoso es el Joromi.
El género se caracteriza por unos cuernos de colores llamativos y múltiples guitarras. Recientemente ha adquirido también sonidos de sintetizadores (Daddy Lumba). wikipedia
Apala
El apala es un estilo de vocal y música de percusión de la Yoruba musulmana. Surgió a finales de los años 30 como el medio de animar a los creyentes después del ayuno de Ramadán. Bajo la influencia de la percusión popular afrocubana, el apala se ha ido desarrollando en un estilo más pulido y ha atraído una gran audiencia.
La música requiere dos o tres tambores "habladores" (omele), un traqueteo (sekere), un piano de pulgar (agidigbo) y una campana (agogo). Estilo tradicional de Ijebu, en Yoruba, también se hizo muy popular en los años 60, desarrollado por músicos como Haruna Ishola, Sefiu Ayan, Kasumu Adio, y Ayinla Omowura. Ishola, que era uno de los fabricantes de éxitos más constantes de Nigeria entre 1955 y su muerte, en 1983, grabó numerosas canciones apala, que alternaron entre lo lento y emocional; y lo rápido y enérgico.
Su lírica era una mezcla de alabanza improvisada y versos del Corán, así como proverbios tradicionales. Su trabajo tuvo una influencia formativa sobre el desarrollo del estilo fuji. wikipediacursos de canto
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jueves, 12 de agosto de 2010
Villancico
Un villancico es una composición musical, y la forma poética asociada, tradicional de España, Latinoamérica y Portugal, país en el que se denomina vilancete (villancet en catalán). Estas piezas fueron populares entre los siglos XV y XVIII. Los villancicos eran originariamente canciones profanas con estribillo, de origen popular y armonizadas a varias voces. Posteriormente comenzaron a cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad. Compositores notables de villancicos fueron entre otros Juan del Enzina, Pedro de Escobar, Francisco Guerrero, Gaspar Fernandes y Juan Gutiérrez de Padilla.
Actualmente, tras el declive de la antigua forma del villancico el término pasó a denominar simplemente una canción cuya letra hace referencia a la Navidad y que se cantan tradicionalmente en diciembre y en Navidad. wikipedia
Juga
La juga es un ritmo colombiano que se considera una variante del currulao; se usa en los funerales, y celebraciones como la navideña que es uno de los ejemplos más representativos de este ritmo. El pueblo subido en lanchas sobre los ríos del litoral pacífico, en lo que se llama procesión acuática, llevan representaciones del niño Jesús a la iglesia desde las veredas cercanas, mientras se toca la juga para acompañar la fiesta.
Conserva el compás de 6/8 muy usado en el pacífico y en numerosos ritmos colombianos, como el bambuco y el pasillo, pero con una percusión más ligera, y una forma lírica de dos voces: una de ellas canta estribillos y la otra interpreta versos hablados. wikipedia
Currulao
El currulao es un ritmo folclórico colombiano original de la costa pacifica.
Su origen está estrechamente relacionado con la cultura negra de la región. La palabra currulao hace alusión a la palabra "Cununao" que hace referencia los tambores de origen africano y que juegan un papel importante dentro del folclor de la Costa Pacifica colombiana, los cununos.
El currulao es tocado por los siguientes conjuntos: El primero que es más predominande en el norte del litoral específicamente en el Chocó son: El redoblante, los platillos y el Clarinete.
El segundo predomina en el sur, específicamente en el Sur del Chocó, el Valle del Cauca, Cauca y Nariño integrado por: La marimba de chonta, los cununos (hembra y macho,) el guasá y el bombo
Al parecer, de éste ritmo, Currulao, un corregimiento de Antioquia-Colombia, toma su nombre.
Es la danza patrón de las comunidades afrocolombianas del litoral Pacífico. Presenta características que sintetizan las herencias africanas de los esclavizados traídos en la época colonial para las labores de minería adelantadas en las cuencas de los ríos del occidente del territorio. En la ejecución del currulao es posible aún observar características propias de un rito sacramental impregnado de fuerza ancestral y de contenido mágico.
El currulao es un baile de pareja suelta, de temática amorosa y de naturaleza ritual. Los movimientos de los danzarines son ágiles y vigorosos; en el hombre adquieren por momentos una gran fuerza, sin desmedro de la armonía. La mujer perpetúa una actitud sosegada ante los anhelos de su compañero, quien busca enamorarla con flirteos, zapateados, flexiones, abaniqueos y los chasquidos de su pañuelo. La coreografía se desarrolla con base en dos desplazamientos simultáneos: uno de rotación circular y otro de translación lateral, formando círculos pequeños, los que a su vez configuran un ocho. Las figuras que predominan son la confrontación en cuadrillas, avances y retrocesos en corredor, cruces de los bailarines, giros, saltos y movimientos del pañuelo.
La danza adquiere gran belleza plástica mediante la concreción de variados elementos, como la esbeltez de hombres y mujeres, la seriedad ritual de los rostros, el juego con los pañuelos y la gracia de las actitudes, que son reforzadas con gesticulaciones, jadeos y giros. Como danza patrón, el currulao presenta variadas modificaciones regionales denominadas berejú, patacoré, juga, bámbara negra y caderona. wikipedia
martes, 10 de agosto de 2010
Aunque si bien la mayor parte de las agrupaciones peruanas realizaron giras en países vecinos, pocas se aventuraron hasta el sur y norte del continente como fue el caso de Los Destellos, Grupo Fantasma[cita requerida], Los Mirlos, Grupo Guinda, etc. Pero la cumbia peruana seguía expandiéndose no de ésta forma si no por su repertorio y música que eran demandadas y regrabadas en diversos países por diferentes agrupaciones obteniendo diversas empresas de la industria peruana convenios con empresas de varios países del continente a las que otorga licencias, como las de Discos Fuentes con Rodolfo Aicardi y su Típica RA7 de Colombia, Discos Dark de Venezuela con Pastor López y de Discos Peerless en México el grupo Los Sonors, así mismo en éstas mismas empresas, localmente en dichos países, se producen LP o casetes con música con límite muchas veces de uno o dos temas peruanos, como el LP editado en México llamado "El disco del año" en su volumen VII, con el tema de "Huayayay" del Grupo Fantasma del Perú, o en Colombia con el Trio Huaricancha con su tema "La Roncona" en los LP de "14 Cañonazos Bailables". Sólo en algunos casos se imprimían LP experimentales completos de grupos de cumbia peruana como sucedió en Argentina con Los Continentales o en México con el Sexteto Internacional y su LP "Cargamento Tropical" para Discos Peerless.
Edith Delgado impulsa y da a conocer los afiches chicha de colores fosforescentes y vivos, la inspiración de los colores, fue derivado de la moda de la época que mostraba el uso de los colores fosforecentes en las ropas. Los afiches con éstas combinaciones de colores no sobrias, se mantiene hasta la actualidad. wikipedia
Otros grupos destacados de la época
Otros grupos destacados de la época que grabaron mayormente para Discos Horóscopo, SonoRadio, Infopesa, DisGonza entre otras fueron: Grupo Celeste y su éxito "El aborto", Grupo Maravilla y su "Arrepentida", Los Ecos, Grupo Guinda, Los Walkers de Huánuco con su "Boquita de Cereza" , Los Wankas, Cantaritos de Oro, Los Andinos, Pascualillo Coronado, Pintura Roja con su tema Oh virgen María!, Grupo Alegría, Grupo Melodía y Los Ovnis de Huánuco , así, también derivada de ésta tendencia, agrupaciones típicas de sonidos orquestales de aires de metal como Combo Palacio (Virtuosos de la Salsa) con "El Aguajal" posteriormente regrabado por Rodolfo Aicardi su versión mas famosa, Manuel Mantilla y Orquesta entre otros comienzan a versionar música chicha en cumbia con aires de metal. Muchas de éstas agrupaciones tuvieron proyección internacional moderada hacia el norte y sur del continente, pero muy populares en países vecinos como Colombia, Bolivia,Ecuador, Chile, Argentina y Brasil. wikipedia
A principios de ésta década surge una agrupación que introduce y consolida el estilo de cumbia colombiana con acordeón fusionada a las características guitarras eléctricas de la cumbia peruana, Alberto Maraví de Discos Infopesa forma al Cuarteto Continental que sería un hito en la introducción del concepto "cumbias pegaditas" en el país, éste estilo poco explorado por agrupaciones peruanas es consolidado por ésta agrupación combinando diversas tendencias de la Cumbia Colombiana, Cumbia Vallenata, Merengue, Charanga entre otros ritmos fusionados a los estilos de Chicha de la época y Cumbia Peruana del pasado en un solo estilo, el proyecto se vuelve exitoso por la incursión de los cantantes y músicos más afamados de otras agrupaciones como Claudio Morán, Julio Mau Orlandini, César Prado, Raúl Serrano entre muchísimos otros que se prestaron para realizar grabaciones en la agrupación, derivado de ello posteriormente se forman agrupaciones con estilos similares o agrupaciones que cambian y prueban el estilo "cuartetero" como, Cantaritos de Oro, Cuarteto Universal, Cuarteto Los Universales de Claudio Morán, Los Continentales, Sexteto Internacional, Cuarteto Amazónico, Choby y el Cuarteto Cumbiambero, Coco Lagos Orquesta y Coros, Manuel Mantilla y su grupo mágico, Julio Mau y su Cuarteto Imbatible, Cuarteto Continente y Grupo Fantasma (éstas dos últimas agrupaciones formadas por iniciativa de México para grabaciones exclusivas en Discos Peerless de aquél país, nunca comercializadas en Perú), todas las agrupaciones formadas con exintegrantes de Cuarteto Continental (excepto Cantaritos de Oro).
Faraón de la cumbia
El principal exponente de ésta vertiente musical andina fue el llamado "Faraón de la cumbia" Lorenzo Palacios "Chacalón" quien se iniciara en Grupo Celeste para posteriormente retirarse de él y formar un grupo musical que al poco tiempo se disolvió al que llamó "El fruto Celeste" con el cual no logró grabar ni un solo LP. La fama le llegaría cuando a principios de la década se forma la empresa Discos Horóscopo de Juan Campos Muñoz y se conforma la agrupación musical "La nueva crema" para la cual se le pide a Chacalón grabe como vocalista líder. La popularidad llegaría pronto gracias a un mítico tema llamado "Soy provinciano" que a muchos migrantes del interior del país les significó una especie de himno de su condición social que se versionó por diversas agrupaciones en otras variantes de cumbia. Por los diversos contenidos de la letra de sus temas que reflejan parte de la marginalidad de los suburbios de la capital peruana, hizo que se hicieran multitudinarios conciertos y presentaciones en los diversos medios de la época, además de hacerle merecedor de diversos premios entre ellos el Circe dado por cronistas del Perú y el Diana. Así como sus conciertos, su ceremonia fúnebre fue multitudinaria, haciendo popular la frase "Cuando Chacalón canta, los cerros bajan", refiriéndose a la congregación de seguidores de las periferias de la capital a todo lo que tuviera que ver con él, convirtiendo al cantante en una especie de leyenda urbana al que le atribuyen dotes de "santo".
Entre los muchos grupos otros grupos que aparecieron en esta época, Los Shapis fue el conjunto de música chicha más celebrado de los ochenta, el primero que rompió récords de ventas y que tuvo impacto en los medios, apareciendo en periódicos y entrevistas televisivas, su éxito que les lleva a la fama fue el tema "Mi tallercito", sin embargo en México y resto de norteamérica, su tema "Corazón Andino" confundida con una Salsa, fue el mayor éxito chichero de Discos Peerless en el norte del continente. wikipedia
jueves, 5 de agosto de 2010
cumbia norteña
La evolución de la cumbia norteña se consolida con la agrupación Tigrillos quienes autodenominados los "Reyes de la cumbia norteña" incursionan en un medio competido entre las diversas variantes de cumbia y la norteña propia. Si bien otros grupos ya musicalizaban este tipo de música desde los años 90's, Tigrillos consolida el estilo Cumbia-Norteña debido a la simbiosis musical que distingue muy claramente al género, el uso de acordeón y bajosexto propios de los corridos, polcas y redovas, estilo cumbiambero que anteriormente existía musicalmente, pero se le englobaba dentro del género "Grupero" y no consolidaba aún su propio nombre (el término "Grupero" masifica a muchas variantes musicales y géneros populares diversos como la Ranchera, Baladas Norteña entre otras.). Ésto permite que se fusione musicalmente a otras variantes estadounidenses de la cumbia y que en Estados Unidos se le clasifique como "Texana" ó "Cumbia Texana" aún y cuando Tigrillos no refleja influencias estadounidenses.
Alrededor de 2005 comienza a volverse muy popular en el centro de México el estilo musical pasito duranguense música popular del estado de Durango con un sonido propio y ritmo sincopado, por lo que dentro dentro de las experimentaciones realizadas por agrupaciones de éste estilo en México y en Estados Unidos, se comienza a escuchar combinaciones de cumbia poco comunes hechas con el pasito duranguense, con lo que la cumbia duranguense[cita requerida] se vuelve una vertiente reciente pero poco difundida ante la prenominancia propia del pasito duranguense como género musical original de éste estilo de interpretación, ejemplos de éstos temas son "Esperanzas" de grupo Montéz de Durango y "Abeja miope" cover de la agrupación Los Plebeyos regrabada como Cumbia Duranguense por la Banda Braceros Musical.
En 2006, Marco Antonio Solís graba un tema romántico con los sonidos característicos de la música mariachi, aunado al estilo acordeonero y de clarinetes de la Cumbia de Colombia para integrar la cumbia "mas que tu amigo"[27] con claras referencias de la cumbia original colombiana con las trompetas mexicanas, además de sintetizadores. El tema sería posteriormente regrabado en Salsa por el puertorriqueño Tito Nieves.
En 2009, la cantante Eugenia León lanza al mercado el tema "Cumbia del pescado" con la "Danzonera Dimas" el cual es una satira de las elecciones políticas mexicanas[28] , ésta pues es otra pauta para que cantantes de géneros ajenos a lo tropical, graben temas populares como lo hicieran en el pasado Oscar Chávez y su cumbia "Macondo", y fuera reversionada por ejemplo por Celso Piña wikipediacursos de bateria
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Jorge Meza
Renace la cumbia con Jorge Meza" frase singular del cantante Jorge Meza y su grupo Jorge Meza y su Tropicolombia, hermano de Lisandro Meza y timbre de voz parecido, se hace más conocido al adaptarse al sonido mexicano de la cumbia sonidera, unido también al folclore colombiano de Cumbia, consigue el éxito en los Estados Unidos bajo la combinación de ambos estilos y alcanza su expansión debido en parte a varios cover realizados de cumbia peruana, y sonidera mexicana de los grupos de Dinastía Pedraza y de cumbia argentina, sus temas están dedicado principalmente a diversas ciudades de México como el tema "A México me voy", ha compartido escenarios en la unión americana con otros grupos de cumbia sonidera mexicana, y Bibyanna y su grupo Xtasys fue formado en Nueva York representa un caso especial debido a que proviene del estado de Chiapas del cual tradicionalmente tiene gran escucha de cumbia pero no posee grupos que hayan sido de reconocimiento extendido en el mercado mexicano y fue a ser formado en un país extranjero. wikipedia
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Es en ésta década donde, los DJ's, al poseer equipos sofisticados de audio como cajas de ritmos y equipo de cómputo ingresan mas preponderantemente a la creación de la cumbia sin músicos, hecho por remixes de sonidos captados y sintetizados de LP's y CDs de diversos grupos donde se insertan voces y comentarios de los mismos, derivándose ahora una nueva tendencia llamada "Cumbia Electrónica", esto es debido que al igual que la música electrónica, se generan dichos sonidos prácticamente en su totalidad a través de equipos electrónicos, ejemplo de ello es el tema homónimo llamado "Cumbia electrónica" ó "Una probadita sabrosa", más comúnmente conocida como "Vamos a ponerle Jorge al niño" de DJ FActor, aunque el estilo hasta el momento no se ha extendido de manera importante debido a sus sonidos que emulan solamente el ritmo pero no así al resto de instrumentos que componen al ritmo cumbia, se ha levantado la inquietud y pauta para que cualquier DJ produzca música sintetizada de manera independiente que se desprende totalmente de todo estilo clásico, antiguo y contemporáneo de la cumbia creada por músicos, aunque el término Cumbia electrónica si bien se conocía desde los 80's, no definía a un estilo particular, y ahora el término se aplica a dos conceptos, el creado propiamente por DJ´s y la evolución de la Tecnocumbia en otro sentido.
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